15 films saisissants à utiliser comme inspiration de palette de couleurs pour votre prochain projet de conception
Certains films sont assez beaux pour être regardés même sans son, et ce sont aussi ceux qui nous incitent à redécorer nos maisons ou, à tout le moins, à changer nos palettes de couleurs. Dans cet esprit, nous avons décidé de rassembler certains de nos films préférés pour la couleur et l’inspiration intérieure, des palettes super saturées et luxuriantes aux palettes douces, sourdes et ambiantes (ce qui signifie que nous avons exclu certains des meilleurs films en noir et blanc – rien de personnel au Phare, Un Chien Andelou et Une fille rentre seule chez elle la nuit).
Continuez à lire pour un régal visuel et préparez votre doigt épinglé.
Paris, Texas (1984)
Le film s’ouvre sur un homme nommé Travis, qui se retrouve à errer sans but dans le désert dans un état de fugue jusqu’à ce qu’un médecin d’une colonie isolée soit enfin en mesure de retrouver le frère et le fils de l’homme. Paris, Texas se concentre sur les retrouvailles de Travis avec son fils alors qu’ils se lancent ensuite dans un voyage sur la route pour retrouver leur femme et leur mère, qui ont disparu depuis quelques années. C’est un classique "film de route," (pensez à On the Road, Nocturnal Animals, et Thelma et Louise) où le protagoniste laisse sa vie derrière lui à la recherche de réponses à ses questions existentielles dans l’immensité stérile de la route ouverte, généralement sous la forme d’un paysage désertique du sud-ouest américain. Et compte tenu de cette toile de fond, il s’agit d’un mélange époustouflant de néons projetant une lueur d’une beauté inattendue dans des chambres de motel miteuses, puis de grands plans du désert avec des autoroutes sinueuses. Il serait négligent de mentionner que Nastassja Kinski ajoute également à la beauté du film.
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Réalisateur: Wim Wenders; Directeur de la photographie : Robby Muller
Un seul homme (2009)
Réalisé par le créateur de mode Tom Ford, A Single Man vit à la hauteur du battage médiatique de son réalisateur et plus encore—Ford sait ravir les yeux avec son sens aigu de l’esthétique. Le film se déroule en une seule journée au milieu du 20e siècle à Los Angeles, suivant un professeur vieillissant alors qu’il navigue dans la vie quotidienne après la perte tragique et brutale de son jeune partenaire. C’est un peu comme Mme Dalloway, en ce sens que vous avez un aperçu à la fois de l’univers de votre conscience intérieure et d’une ville anthropomorphisée (dans ce cas, LA au lieu de Londres) et le tout semble méditatif et rêveur, comme tu es perdu en transe avec le protagoniste.
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Réalisateur: Tom Ford; Directeur de la photographie : Edouard Grau; Concepteur de production : Dan Évêque
Todo Sobre Mi Madre (1999)
En tant que figure éminente de La Movida Madrileña (également parfois appelée "el destape," ou, l’explosion / la découverte) d’un mouvement culturel en Espagne qui s’est déroulé après la chute de la dictature de Franco, Pedro Almodovar fait des films pleins de déclarations de contre-culture et de résistance, mais il utilise aussi souvent l’humour et la beauté pour explorer les notions d’oppression et de difficultés. Todo Sobre Mi Madre ne fait pas exception. Notre protagoniste, Manuela, perd son fils adolescent dans un accident tragique au début du film, puis passe le reste du film à chercher la mère transgenre de son fils pour l’informer de la perte. Elle se lie d’amitié et renoue avec diverses femmes en cours de route, chacune l’aidant à explorer son chagrin, à guérir et à apprendre. Avec des couches de fiction tout au long, comme des clins d’œil à All About Eve et des hommages à l’inimitable poète espagnol Frederíco Garcia Lorca, le film est résolument riche, à la fois thématiquement et visuellement..
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Réalisateur: Pedro Almodovar; Directeur de la photographie : Affonso Beato; Concepteur de production : Antxón Gómez
Elle (2013)
Elle se concentre sur la vie amoureuse d’un homme sensible et solitaire, Theodore, alors qu’il navigue dans un divorce tout en tombant de manière inattendue amoureux de son IA personnalisée, Samantha (Scarlet Johansen), avec qui il s’engage constamment via ses écouteurs Bluetooth. Il est fou de penser que la notion de petits écouteurs nous murmurant des mots doux en public alors que nous bourdons dans les tranchées de la vie quotidienne semblait si futuriste il y a quelques années à peine, lorsque ce film est sorti – qui savait que les écouteurs filaires seraient considérés comme une relique du passé si tôt ? Leur relation amoureuse semble effrayante au début, bien sûr, mais lorsqu’un compagnon semblable à un humain est conçu pour répondre à tous vos besoins, il est facile d’imaginer à quel point ce serait le partenaire romantique idéal. Le film soulève des questions complexes, comme le sens de la connexion et de la personnalité. Cela, et cela crée inévitablement une relation dépendant d’une dynamique propriétaire/objet. L’intrigue s’épaissit lorsque Samantha mûrit au-delà de l’imagination des programmeurs et elle développe un désir d’exister en dehors des besoins de Theodore, à quel point la relation a des douleurs de croissance. Bien que le contact physique soit minime chez elle, le monde physique créé par Spike Jonze est aussi magique que possible.
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Réalisateur: Spike Jonze; Directeur de la photographie : Hoyte van Hoytema; Concepteur de production : K.K. Barrett
Dans l’humeur pour l’amour (2000)
In the Mood for Love est un film qui brise le cœur et provoque la réflexion. Il suit deux voisins solitaires, un jeune homme et une femme, vivant à Hong Kong britannique au début des années 1960. Les deux trouvent du réconfort dans la compagnie de l’autre alors qu’ils commencent simultanément à s’éloigner de leurs partenaires respectifs, envers lesquels ils deviennent également de plus en plus méfiants mais auxquels ils restent fidèles. C’est brillamment tourné, avec des indices visuels forts qui animent l’histoire. De l’appartement étouffant regorgeant d’imprimés floraux, de miroirs sur chaque mur et d’autres symboles domestiques étouffants aux moments de tension des tentatives désespérées des protagonistes alors qu’ils résistent à leur connexion magnétique, c’est une histoire pensive et irrésistible de la claustrophobie simultanée et de la distance dans mariage.
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Réalisateur: Wong Kar-wai; Directeur de la photographie : Christophe Doyle et Mark Lee Ping Bin; Concepteur de production : Guillaume Chang
Les bêtes du sud sauvage (2012)
Beasts of the Southern Wild est magnifique et unique, preuve que le réalisme magique – un mélange de fantaisie fantaisiste et de réalisme graveleux – éblouit au-delà des pages d’un livre et à l’écran également. Situé dans une communauté du delta du bayou séparée du reste de la zone par une digue, le spectateur adopte le point de vue de Hushpuppy, 6 ans, qui est formé par son père pour survivre à la fin du monde lorsqu’il tombe soudainement malade , et l’apocalypse pour laquelle elle se prépare arrive. Alors que les eaux montent et qu’une tempête imminente menace d’emporter sa communauté, elle s’enfuit et tout au long de son voyage d’évasion, elle commence à rencontrer d’énormes animaux préhistoriques. Quvenzhané Wallis est devenue la plus jeune personne à être nominée pour la meilleure actrice aux Oscars pour son rôle de Hushpuppy, et sa performance à elle seule mérite d’être regardée. Mais attention : vous ne pouvez pas vous asseoir avec les yeux secs.
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Réalisateur: Benh Zeitlin; Directeur de la photographie : Ben Richardson; Concepteur de production : Eliza Zeitlin et Alex DiGerlando
La Piscine (1969)
Peut-être l’un des films les plus chics jamais réalisés, à la manière française, La Piscine vous donnera envie d’imiter tout ce que vous y voyez. Installé dans une somptueuse villa de la Côte d’Azur, il s’agit d’un couple, Jean-Paul et Marianne, qui part en vacances dans la maison de vacances d’un ami lorsqu’un autre duo surprenant se présente : l’ex-amant de Marianne et sa belle fille de 18 ans la fille. Beaucoup de tension et de jalousie sexuelles et romantiques se déroulent, la plupart se déroulant au bord de la piscine ou dans la mer. C’est une montre amusante, du style de vie estival au laissez-faire, alimenté par la luxure, au design du milieu du siècle, et, bien sûr, Jane Birkin à son plus frappante. Si vous en voulez plus, regardez le remake de Luca Guadagnino en 2016 (il est le réalisateur de Call Me By Your name), A Bigger Splash, nommé par hasard d’après le tableau influent de David Hockney..
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Réalisateur: Jacques Deray; Directeur de la photographie : Jean-Jacques Tarbès; Concepteur de production : Paul Laffargue
Démon néon (2016)
Nous ne plaisantions pas lorsque nous avons dit que vous pouviez regarder certains de ces films en sourdine et ne rien manquer. Dans Neon Demon, toute l’histoire est racontée à peu près exclusivement à travers le symbolisme visuel, du lion des montagnes qui ravage un motel séduisant d’Hollywood aux lumières stroboscopiques tonitruantes d’une boîte de nuit aux lumières de la ville qui gonflent au loin tandis qu’un adolescent éthéré et précoce mais vulnérable danse au-dessus de l’horizon de LA. Un peu campy et exagéré, Neon Demon est un mouvement d’horreur satirique, mais se lit également comme une critique de l’industrie de la mode. En tant que tel, il y a une inspiration de palette de couleurs dans chaque prise de vue.
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Réalisateur: Nicolas Winding Refn; Directeur de la photographie : Natasha Braier; Concepteur de production : Elliott Hostetter
Paris brûle (1990)
Tous les plus beaux films ne sont pas fictifs, prenez, par exemple, Paris Is Burning. Dans ce documentaire de 1990 sur la vie nocturne et la contre-culture à New York, vous explorerez le monde des bals travestis où le voguing a été inventé et célébré. Il donne la parole aux communautés privées de leurs droits et remet en question nos notions d’authenticité et de formation identitaire en mettant en évidence les nombreuses sous-cultures que la culture dominante s’est depuis appropriées et décontextualisées. Et pour celui-ci, nous retirons ce que nous avons dit à propos de les regarder en sourdine – les interviews et la bande son sont inégalées.
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Réalisateur: Jennie Livingston; Directeur de la photographie : Paul Gibson
Edward aux mains d’argent (1990)
Ah, les années Winona. Ce film est le mélange parfait de choses que nous n’associerions pas nécessairement : architecture gothique, style emo et banlieue maussade, monochrome et imbibée de pastel. Ce classique du début des années 90 suit une adolescente au bon cœur (le personnage de Ryder, bien sûr), alors qu’elle se lie d’amitié avec le paria de la ville, une sorte de création de Frankenstein avec des ciseaux géants pour les mains, et il y a une inspiration vestimentaire et une palette de couleurs à portée de main.
Obtenez la palette de couleurs Edward Scissorhands
Réalisateur: Tim Burton; Directeur de la photographie : Stefan Czapsky; Concepteur de production : Bo Welch
Le mépris (1963)
Que serait un beau tour d’horizon d’un film sans une mention Godard ? Bien que Mépris soit son plus gros succès commercial, il est toujours aussi percutant et enchanteur. De plus, il met en vedette Brigette Bardot, donc encore plus de raisons de le mettre à l’honneur. Le mépris est un film sur l’industrie cinématographique elle-même, suivant un gros producteur hollywoodien qui se heurte à son réalisateur d’une adaptation de L’Odyssée. Il engage alors une dramaturge mariée à Camille (Bardot) pour travailler sur le scénario et à partir de là, les choses s’échauffent. Rendez-vous romantiques tendus, conflits professionnels et décors magnifiques abondent dans ce film hollywoodien classique.
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Réalisateur: Jean-Luc Godard; Directeur de la photographie : Raoul Coutard
Clair de lune (2016)
C’est l’un de ces films que l’on n’oublie jamais, avec ses images douloureusement belles, ses performances brillamment émouvantes et ses intrigues bien communiquées. Moonlight capture également un sentiment d’appartenance unique en son genre, présentant la chaleur étouffante de Miami d’une manière qui imite bien l’oppression du protagoniste, Chiron, un garçon noir gay. Aux prises avec des problèmes de formation d’identité et d’appartenance au milieu de l’adversité, le film suit Chiron alors qu’il grandit et navigue dans sa sexualité et découvre le soutien et l’amour de personnalités non conventionnelles. Moonlight offre également au public de nouvelles représentations de l’amour, romantique et sexuel, parental et platonique, ainsi que la recherche de l’amour-propre lorsque nous ne pouvons pas le trouver dans notre environnement extérieur..
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Réalisateur: Barry Jenkins; Directeur de la photographie : James Laxton; Concepteur de production : Hannah Beachler
Dent de chien (2009)
Dogtooth n’est pas exactement un film optimiste ou confortable à regarder, mais il a mis l’inimitable cinéaste grec Yorgos Lanthimos sur la carte pour nous apporter d’autres joyaux irrévérencieux et brillants comme The Lobster, The Killing of a Sacred Deer et The Favorite. Dogtooth pose une expérience de pensée intéressante, quoique troublante : à quoi ressemblerait une famille d’adolescents s’ils étaient élevés dans un isolement complet, façonné uniquement par leurs parents dans un "Ordinaire" maison avec beaucoup d’espace de jardin mais pas d’accès au monde extérieur ? Il s’avère qu’ils seraient assez tordus dans la vision de Lanthimos : le langage n’a pas de sens au-delà de ce que nous lui assignons : un avion est-il un avion si nous ne l’appelons pas un ? Le désir sexuel naissant trouvera un moyen de se libérer, même si cela implique l’inceste. Et l’envie de quitter son petit univers isolé et d’explorer l’inconnu vaut n’importe quel prix. Bizarre, oui. Mais oh, la palette de couleurs qu’elle inspire.
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Réalisateur: Yorgos Lanthimos; Directeur de la photographie : Thimios Bakatakis; Concepteur de production : Elli Papageorgakopoulou
Une ride dans le temps (2018)
Vous vous souvenez de ce classique de l’enfance ? L’interprétation fantastique d’Ava DuVernay du livre de Madeleine L’Engle est glorieusement luxuriante. Elle lui donne vie avec fantaisie, dynamisme et beaucoup d’imagination. A Wrinkle in Time suit la jeune Meg et son petit frère Charles alors qu’ils se lancent dans une quête pour retrouver leur père scientifique après qu’il soit parti pendant cinq ans, à la découverte d’une nouvelle planète (où il est arrivé via tesseract, qui, si vous me demandez, est trop compliqué à expliquer aux adultes sans parler des enfants, mais en termes simples, crée une ride littérale dans le temps et l’espace, d’où le titre de l’histoire). Les frères et sœurs sont guidés par trois sages voyageurs astraux (interprétés par Reese Witherspoon, Oprah Winfrey et Mindy Kaling – sages en effet) dans l’aventure d’une vie. C’est une montre amusante que toute la famille peut apprécier ensemble.
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Réalisateur: Ava Duvernay; Directeur de la photographie : Tobias A. Schliessler; Concepteur de production : Naomi Shohan
Portrait d’une dame en feu (2019)
Si vous êtes une ventouse pour une pièce d’époque romantique torride, attachez-vous. Portrait of Lady on Fire nous emmène dans la France côtière de 1770, où une peintre, Marianne est chargée de faire le portrait de la mariée en attente, Héloïse – mais elle doit le faire à son insu, car Héloïse refuse de s’asseoir pour un portrait parce qu’elle ne veut pas vraiment se marier. Marianne doit donc l’observer tout au long de la journée et compléter le portrait en cachette (Tant de regards volés ! On a dit que c’était torride…). Au fur et à mesure que l’histoire se développe, leur lien s’approfondit et l’intrigue s’intensifie, mais au-delà, le film subvertit le regard masculin, expérimentant plutôt un regard féminin à tous les niveaux : thématiquement, mais aussi au niveau de la production avec des femmes derrière la caméra..
Obtenez la palette de couleurs Portrait d’une dame en feu
Réalisateur: Céline Sciamma; Directeur de la photographie : Claire Mathon; Concepteur de production : Thomas Grézaud
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